Composition / MAO course (Logic Pro X and Ableton) in Paris and suburbs

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• Depuis quand développez­-vous une passion pour la musique et plus particulièrement pour votre instrument de prédilection ?

  J'ai commencé la musique à l'âge de 6 ans, cela m'a tout de suite passionné et j'ai immédiatement voulu faire cela de ma vie. Depuis mon enfance jusqu'à ce que cela devienne mon métier, je n'ai jamais répondu autre chose lorsqu'on me demandait ce que je voulais faire plus tard que "musicien". J'ai commencé par le piano, puis je me suis mis aux guitares classique et électrique. Au début je voulais devenir guitariste, plus précisément je voulais devenir le meilleur guitariste du monde, je voulais être une rockstar. En grandissant et en affûtant ma curiosité pour tous les styles de musique, je me suis rendu compte que ce monde était plus vaste que la scène de Woodstock, et je me suis mis à bidouiller Garageband sur l'ordinateur de ma mère à 15 ans. Puis j'ai essayé Logic, puis Ableton et sans que je m'en rende compte j'avais précisé ma passion pour la musique : c'était devenu la composition de musique électronique. Après, électronique c'est juste l'outil : un ordinateur. Et avec un ordinateur on peut tout faire. Je me suis donc mis à tout essayer, de l'électro dance au sound design expérimental, musique concrète, orchestrale et j'en passe. Depuis Garageband je n'ai jamais cessé de faire la même chose : essayer, m'amuser, bidouiller, chercher.

• Quelle musique pouvez-vous écouter en boucle avec toujours le même plaisir (et sans devenir dingue) ?

  Je me souviens des trois premiers albums que j'aie jamais eu entre les mains : Elephant des White Stripes, Purplexed de Deep Purple et Friday Night In San Francisco : concert du trio Al Di Meola, Paco de Lucia et John McLaughlin. Je n'ai jamais cessé d'écouter ces albums, tout particulièrement le premier morceau de Friday Night... : Mediterranean Sundance. Si je ne devais garder qu'un morceau ce serait celui-là.

• Parlez-nous du cours le plus difficile ou étonnant que vous avez pu donner !

  J'ai eu un élève qui souhaitait apprendre l'improvisation en style libre au piano. Il n'avait jamais fait de solfège (ce qui ne l'empêchait pas d'adorer Ravel et Debussy), et quasiment jamais touché un clavier mais c'était déjà un artiste accompli dans le milieu de l'art visuel. Très rapidement, et comme il était très curieux, il a fallu lui donner des notions de solfège mais cela aurait été contre productif de lui faire travailler le b.a.-ba de la théorie musicale comme elle est enseignée dans les manuels de conservatoire. Je n'ai rien contre ces ouvrages mais en cours particuliers il faut s'adapter à l'élève et à ses buts : en l'occurrence il voulait jouer du piano et du bâchotage ne l'aurait pas aidé. Tout en l'aidant à improviser, je lui insufflait des notions de solfège (en six mois il navigué sur des notions du premier au dernier cycle d'apprentissage). Pour lui permettre d'intégrer ces notions, il fallait lui parler son langage. Ainsi je me suis retrouvé à lui expliquer des choses avec des histoires, à donner des prénoms aux degrés et aux accords et à réinventer certains termes.
  Je me souviendrai toujours, lorsque je lui apprenais comment conduire ses accords, il a mal entendu le terme : en musique on appelle cela du voicing. Il a entendu "woofing". Au cours suivant il me dit "J'ai retravaillé ce qu'on a fait la dernière fois et je crois que j'ai fait un super woofing, écoute.".J'étais d'abord abasourdi, puis j'ai compris et souri.
  Il n'a jamais cessé d'employer ce terme.

• D'après vous, quel est l'instrument le plus compliqué à maîtriser et pourquoi ?

  Bon je joue un peu avec les mots mais très franchement l'instrument le plus difficile c'est l'oreille. C'est l'alpha et l'oméga de la musique, sans elle on est juste des bras articulés qui tapent et frottent des objets. Il y a l'oreille physique : écouter de la musique, la penser, l'analyser, savoir pourquoi elle nous émeut, pourquoi elle ne nous émeut pas, pourquoi telle ou telle musique éveille notre curiosité. Il y a évidemment l'oreille dite musicale : la capacité à reconnaître des intervalles, des accords, des rythmes etc... Et enfin l'oreille intérieure : celle qui nous fait entendre sans passer par les tympans. C'est l'oreille qui permet de se projeter, d'interpréter, d'imaginer et de composer. Cette dernière est le cœur de mon travail pédagogique : composer c'est entendre à l'intérieur, c'est faire la musique que l'on a envie d'entendre.

• Quelles sont, pour vous, les clés de la réussite (hormis celles de Sol et de Fa) ?

  Comme je viens d'en parler la première c'est l'oreille. Il faut écouter des tonnes de musique, l'analyser, la questionner et l'intégrer. Cela ne vaut pas seulement pour la composition, c'est vraiment le socle d'un travail de musicien.ne.
  Puis, et cela va de pair avec la première : il y a la curiosité et l'envie. Ce sont elles qui poussent à écouter, et ce sont elles qui poussent à chercher, à composer des choses parfois étranges et inaudibles qui finissent par devenir des idées musicales brillantes.
  Ensuite il y a l'humilité et la confiance en soi. Si la raison qui pousse à monter sur scène est la chaleur des projecteurs, autant rester au lit. Mais il faut aussi savoir être sûr de soi, sûr de ses doutes encore. Surtout ne pas se brider, ne pas se censurer. J'avais un prof au conservatoire qui, lorsque je lui présentais des pièces tout en les commentant du style "oui j'ai voulu faire ça mais en fait je pense que c'est trop donc je l'ai pas fait euh etc..." me disait ces mots qui ne m'ont jamais quittés : "Il faut d'abord oser, et ensuite doser".

• Citez 3 musiciens avec lesquels vous rêveriez de faire un boeuf dans un bar à 2 h du mat et dites-nous pourquoi !

  Alors ma pratique de compositeur n'a rien à voir avec les bœufs tardifs dans les bars, mais il y a des compositeur.ices que j'aimerais beaucoup rencontrer autour d'un verre. Je pense notamment au duo Matmos, que j'ai vu en concert (c'était incroyable) parce ce sont des musiciens qui savent utiliser les outils esthétiques des musiques concrète et électroacoustique pour en faire des choses surprenantes et entraînantes, et avant tout, de grande qualité.
  J'aimerais aussi beaucoup rencontrer des personnes comme Bjork et Holly Herndon pour des raisons assez similaires. Elles proposent toutes les deux des esthétiques et des formats pop nourries par une recherche sonore pointue, tous leurs morceaux sont des traités de composition à mes yeux.
  Enfin j'aimerais beaucoup rencontrer Terry Riley (compositeur de musique instrumentale américain né en 1935) il a été un des pionniers de la musique moderne, un des fondateurs du mouvement minimaliste (mouvement dans lequel on retrouve Steve Reich et Philip Glass). Un de ses pièces maîtresse s'intitule In C (En Do) pour ensemble indéterminé, à durée indéterminée. Plutôt surprenant non ? C'est une des représentations les plus connues de ce que l'on appelle en musique instrumentale une "forme ouverte" : la partition est composée de motifs, de petites phrases musicales mais ce n'est pas linéaire, "tout écrit" comme une partition normale et chacun peut l'interpréter comme iel le souhaite. Cela laisse beaucoup de liberté à celleux qui souhaitent s'en emparer, et oblige la réinvention permanente. C'est aussi un geste humble de la part du compositeur de laisser autant de liberté à une pièce qui évoluera dans l'histoire sous de multiples formes, détachée de lui.

• Une anecdote à raconter en rapport avec votre métier ou votre scolarité (et pas forcément la fiesta que vous avez faite suite à votre entrée au Conservatoire) ?

  Il y a quelques années, j'avais des amis dont le label avait été programmé dans un grand festival parisien. Je n'avais jamais mixé de ma vie, j'étais seulement allé chez l'un d'entre eux une dizaine de jours auparavant, par hasard, pour m'essayer aux platines pendant deux heures pour la première fois de ma vie. Et voilà que ce festival a lieu. Le premier jour j'y vais pour les voir et les écouter puis le soir, un peu pour la blague je leur dis que j'aimerais mixer en public. Celui chez qui j'étais allé me sourit et me propose très sérieusement de partager avec lui son créneau du lendemain.
  Petite goutte de sueur. J'avale ma salive. J'accepte.
  Le lendemain au réveil j'avais la boule au ventre, je ne voulais pas me dégonfler mais je me demandais si cette idée était si bonne que ça en fin de compte. Foutu pour foutu, je le retrouve le soir et nous montons sur scène.
  Eh bien j'aurais regretté de ne pas y être allé. On a fait notre set pendant une heure et demie en B2B, le public était ravi et cela reste un des meilleurs souvenirs de ma vie. A la fin, un des festivaliers est même venu nous demander comment s'appelait notre duo.

• Quel est votre petite touche qui fait de vous un Superprof adoré par tous ses élèves ?

  Ma seule méthode pédagogique invariable est, encore une fois...l'écoute. Enseigner la composition et l'improvisation libre c'est avoir affaire à des profils d'élèves très différents, de tout âge. Je n'arrive pas avec une encyclopédie en cherchant à imposer ma vision de la musique, en disant qu'il faut l'apprendre comme ci ou ça. Je fais très attention à bien cerner avec l'élève ce que lui.elle recherche dans cette pratique et je l'accompagne. Je l'aide à mettre en forme ses intuitions, je l'aiguille dans ses questionnements esthétiques ou formels et je donne les outils techniques nécessaires à la bonne poursuite du chemin. Mes cours sont donc très différents les uns des autres puisqu'ils sont vraiment sur mesure. C'est souvent pour cela que l'on vient chercher des cours particuliers, ou que l'on vient me voir : les conservatoires font très bien leur travail d'apprentissage des théories et pratiques de la musique - et le reproche qu'on leur fait souvent d'être poussiéreux est de moins en moins vrai et je m'en réjouis. Mais je ne propose pas la même chose qu'un conservatoire. Je ne veux pas qu'on s'adapte à moi, c'est à moi de m'adapter à l'élève, et évidemment je ne juge jamais. Comme la créativité est quelque chose d'intime et de fragile, il est primordial de donner à l'élève un espace dans lequel il se sente bien pour la travailler. Aussi, comme la forme du cours particulier est très propice à cela, j'invite souvent à la discussion et à la réflexion. Pour composer il faut avoir une pensée globale de la musique, qui ne se limite pas à sa propre pratique personnelle. Je pousse donc chacun.e à développer son goût, sa vision du domaine, et surtout : sa personnalité et sa sensibilité.